Para Malcolm Washington, o apreço pelas peças de August Wilson é de família. Vários anos atrás, seu pai, Denzel, comprometeu-se a produzir adaptações cinematográficas das peças Century Cycle de Wilson – uma coleção de 10 obras, cada uma cobrindo uma década da experiência negra na América do século XX. Denzel começou com o indicado ao Oscar Cercasque ele também dirigiu e estrelou, e seguiu com Fundo Preto de Ma Raineyque rendeu a Chadwick Boseman uma indicação póstuma ao Oscar de Melhor Ator. Em 2022, o irmão de Malcolm, o ator John David Washington, estrelou uma remontagem da Broadway de A aula de piano. E agora, toda a família Washington uniu forças em uma adaptação cinematográfica daquela peça de 1987 (transmitida pela Netflix), com Malcolm dirigindo, sua irmã Katia como produtora executiva e sua irmã Olivia e sua mãe Pauletta assumindo papéis na tela ao lado de John David. A colaboração parece apropriada, visto que a história levanta grandes questões sobre o legado, a história e os fardos e alegrias da família.
Malcolm Washington pegou o roteiro pela primeira vez em 2020, no calor da pandemia de Covid-19. Ambientado na década de 1930 em Pittsburgh, A aula de piano segue a família Charles – particularmente dois irmãos – que estão em desacordo sobre o que fazer com um piano de herança obtido por seus ancestrais escravizados.. Berniece, interpretada por Danielle Deadwyler no filme, quer manter o instrumento para homenagear seu significado cultural. Seu irmão, Boy Willie (John David Washington), é um meeiro que vê o piano nada mais do que um coletor de pó; ele quer vendê-lo e usar o dinheiro para comprar seu próprio terreno. Para Washington, o tema da autodescoberta através da própria linhagem ressoou.
“Essa ideia de legado e ancestralidade, de se definir ou se entender em relação aos que vieram antes de você”, diz ele, “foi assim que cheguei a isso, e é por isso que ficou comigo, porque se alinhava com as coisas que eu estava considerando em minha própria vida.”
O filme, que marca a estreia de Washington na direção, é uma reprodução fiel, principalmente no que diz respeito ao uso da música. À medida que as tensões aumentam, vários membros do elenco cantam uma mistura de canções de trabalho escravo, melodias de blues e espirituais negros, criando um cabo de guerra entre o passado e o presente enquanto os personagens procuram comungar com os espíritos ancestrais. O piano antigo pertencia a um homem chamado Sutter, que escravizou os parentes de Berniece e Boy Willie. Os reverenciados ancestrais da família Charles são lembrados pelos entalhes no corpo de madeira do instrumento.
No início do filme, quatro homens – tio Doaker Charles (Samuel L. Jackson), o pianista profissional Wining Boy Charles (Michael Potts), Boy Willie e o amigo de Boy Willie, Lymon (Ray Fisher) – se reúnem na casa da família e lutam. com esse passado. Num esforço para enfrentá-lo, eles cantam em harmonia “Oh’Berta”, uma comovente canção de escravos sobre os perigos de trabalhar na Penitenciária Estadual do Mississippi, apelidada de Fazenda Parchman. Com os prisioneiros trabalhando lá de sol a sol, foi “a coisa mais próxima da escravidão que sobreviveu à Guerra Civil”, escreveu o historiador David Oshinksy em Pior que a escravidão.
Berniece (Deadwyler) e Boy Willie estão em desacordo por causa de um piano herdado.
David Lee/Netflix
Batendo os pés, batendo palmas e batendo na mesa, os quatro personagens cantam sobre um homem confinado em Parchman enquanto sua amante está livre. À medida que os homens refletem sobre o sofrimento emocional e físico em Parchman através da música, é como uma purga da sua agonia coletiva. Washington relembra a ferocidade emocional da performance enquanto os atores grunhiam e gritavam acapella.
“Se você está no Mississippi neste momento, você ou alguém que você conhece provavelmente passou algum tempo, especialmente se for homem, na Fazenda Parchman, na Penitenciária Estadual do Mississippi”, diz Washington. “Se você conhece a letra dessa música, você está conectado a essa dor e a esse trauma. E grande parte deste momento é sobre processar isso, certo? Trata-se de confrontar esse sentimento e processá-lo.”
Para o escritor Virgil Williams, que adaptou a peça para as telas, a performance não apenas simboliza a resistência, mas representa como cada personagem tem a oportunidade de se libertar por meio da música. “Vamos suportar essa dor e fazer disso uma música”, diz Williams. “E o que estamos testemunhando, durante toda a peça, é um exorcismo de todo esse trauma.”
APESAR DO peso do FILME, a música ocasionalmente também permite explosões de alegria e risos, como quando Lucille, uma cantora de blues de Erykah Badu, canta o número de blues boogie-woogie “Gumbo Head” para uma multidão dançante. Uma canção original que Badu escreveu para o filme é “um apelo à música da época”, diz Washington, “mas (também) uma celebração, corpos se movendo e dançando. É uma conexão de pessoas de todas as classes se unindo.”
Para Badu, cuja voz com influências de blues traça paralelos com Billie Holiday, a música é inerentemente espiritual. A Rainha do Neo-Soul recebeu o piano desafinado de sua avó aos sete anos, o que ela acredita que a levou a cantar “um pouco desafinado”, disse ela. Pedra rolando por e-mail. A cantora acrescentou que ela não apenas se conecta com seus ancestrais através de sua performance, ela os incorpora. “Acredito que os ancestrais vivem nesses tambores”, escreveu ela, “e temos o poder de desbloquear essa frequência sempre que nos envolvemos intencionalmente”.
Os primeiros artistas de blues usavam a narração oral de histórias para narrar uma experiência passada brutal – ou, como Ralph Ellison disse uma vez, “dedo seu grão irregular” – em um esforço para curar feridas. Quando Wining Boy sente falta de sua falecida esposa, Cleotha, ele é atraído ao piano tradicional para tocar uma versão bêbada de “Hesitating Blues”, uma canção folclórica tradicional que foi gravada em estilos diferentes por todos, de Louis Armstrong a Janis Joplin, Lena Horne, e Willie Nelson.
Erykah Badu (centro, como Lucille) escreveu uma canção de blues original para o filme.
David Lee/Netflix
“Não falamos o suficiente sobre a alegria que essas pessoas encontram, as risadas que há entre elas, quanto amor está unindo tudo isso”, diz Washington sobre a vida negra nos anos trinta, “e penso muito em isso está na música. Wining Boy, como escreve August, é uma mistura de “entusiasmo e tristeza”. E as raspas estão por cima. O entusiasmo está em primeiro lugar.”
O número MUSICAL CLIMÁTICO do filme ocorre no momento em que Berniece realiza uma sessão espírita para salvar seu irmão Boy Willie do fantasma de Sutter, que a família acredita que os esteja assombrando. Compositor Alexandre Desplat (Pequenas Mulheres, A forma da água) explica que o piano serve como “altar”. Assim, enquanto Berniece bate nas teclas, unindo-se aos seus ancestrais gravados no piano de madeira, Desplat optou por enfatizar o som de suas batidas nas teclas e no pedal, com as notas reduzidas a um zumbido etéreo.
“Há algo que está acontecendo, muito forte e muito sobrenatural”, explica Desplat. “Ela se conecta com o passado. Ela se conecta com o universo, graças ao piano.”
Washington diz que a atuação de Deadwyler na cena une a prática espiritual da África Ocidental e a tradição cristã negra do sul, enquanto ela pede orientação espiritual a Mama Berniece, Mama Esther, Papa Boy Charles e Mama Ola. Em vez de um hino gospel como trilha sonora do momento, ele buscou uma melodia mais visceral e terrena, algo mais parecido com o piano discordante que se pode ouvir nas partituras do compositor vanguardista Julius Eastman. No final das contas, Berniece consegue salvar Boy Willie, levando-o a reconhecer o poder transcendente do piano da família.
“Há um choque físico e um confronto”, diz Washington. “O cerne de tudo é o confronto – confrontar partes da sua identidade, confrontar partes da sua história, confrontar partes da sua ancestralidade, para que você possa tomar alguma decisão informada sobre o futuro.”
