Um trabalho de profundo otimismo, um ambicioso mishegas olhando para o abismo, uma peça de teatro experimental presa em filme, o musical mais bizarro do ano em um ano repleto de fortes candidatos a esse título – este é apenas o começo de possíveis descrições para O fim, O golpe selvagem de Joshua Oppenheimer para as cercas. Um conto ao estilo de Sondheim que é simultaneamente melodioso e atonal em medidas iguais, este conto de um coletivo que vive na extravagância enquanto o mundo dá seu último suspiro ecológico é o tipo de filme que você deseja que os cineastas aventureiros façam, mesmo que você se sinta encolhido e apenas ocasionalmente batendo palmas de admiração pelo esforço. A lacuna entre a concepção e a execução pode estar mais próxima de um abismo aqui. Ainda há momentos de intensa beleza e tristeza, porém, que fazem você querer ir até o que você sabe.
Oppenheimer fez seu nome como um metadocumentarista que ganhou o adjetivo “visionário”, cortesia de seu olhar inovador sobre o genocídio e a interpretação de gênero em O ato de matar (2012) e sua peça não oficial, O olhar do silêncio (2014). E embora sua primeira incursão em longas-metragens de ficção não exija uma explicação em si, sua história de origem única e sua conexão com os trabalhos anteriores são realmente reveladoras. Originalmente, Oppenheimer tinha planeado fazer um terceiro filme de não-ficção alinhado com as suas explorações sobre riqueza, poder, violência e culpa, centrado no bando de oligarcas que estavam a tornar conhecida a sua presença na Indonésia.
Contudo, agora não era seguro para ele estar no país, então ele começou a pesquisar como esses novos atores poderosos operavam em todo o mundo. O cineasta se deparou então com a história de um magnata do petróleo que estava construindo um bunker para sua família, em caso de catástrofe. Oppenheimer queria fazer um verdade retrato de como seria a sua vida nesta casa longe de casa daqui a um quarto de século. Saber disso seria uma impossibilidade – e ter acabado de assistir novamente Os guarda-chuvas de Cherbourg, um dos seus favoritos pessoais – o diretor decidiu fazer um musical.
Se esta foi a decisão “certa” – observe as aspas assustadoras – é discutível. O que podemos dizer com toda a certeza é que O fim cumpre sua promessa de contar essa história por meio de números que vão desde vermes de ouvido off-Broadway até campos quase horríveis (no sentido original do termo). O foco está em uma família que se isolou, cada um deles referido por atribuições genéricas: O Pai (Michael Shannon) já ocupou um cargo executivo de alto escalão na indústria de energia, o que pode ou não ter contribuído para o governo- sancionou a violência e definitivamente ajudou a acelerar o desaparecimento do planeta. A Mãe (Tilda Swinton) era uma bailarina que, uma vez, dançou com o Bolshoi. Sua amiga (Bronagh Gallagher) era uma chef renomada e ajuda a preparar as refeições. O Doutor (Lennie James) distribui remédios quando não está deprimido. O mordomo (Tim McInnery, como sempre um coadjuvante) vive para servir e anseia por amores perdidos.
No meio disso está o Filho (George MacKay), que é tão ingênuo quanto robusto. Tendo crescido sem conhecer um mundo fora de seu opulento bunker – mamãe tem uma coleção de arte e tanto, de Renoir a Turner; um campo de tiro improvisado fica a poucos passos de uma piscina coberta – ele se baseou em anedotas e fotos desbotadas para ter uma noção melhor dos tempos anteriores. Papai pediu que ele escrevesse suas memórias, literalmente reescrevendo sua história como alguém que tentou fazer a diferença em vez de destruir coisas. Ele também passa seus dias trabalhando em um vasto modelo de trem que funciona como uma cápsula da história dos empreendimentos humanos, seja a Guerra Civil Americana ou o pouso na Lua. A proeminência do letreiro de Hollywood em sua paisagem em miniatura não é, muito provavelmente, coincidência.
Durante os primeiros anos de internamento autoadministrado deste grupo, eles lutaram contra potenciais novos membros do seu clube seletivo de sobrevivência; o mordomo mostra um antigo ferimento de bala que supostamente recebeu ao defender o filho de uma ameaça não identificada quando ele era criança. “Terminava sempre da mesma maneira”, diz-lhe o Padre, gravemente. “Eles tentaram nos matar, todas as vezes.” Então, quando a garota (A Dama do Lago(Moses Ingram) de repente aparece frio e perdido na porta, o instinto inicial é assassinar seu primeiro “visitante” em quase 20 anos. Somente o Filho defende que eles a acolham, cuidem dela para ajudar e a deixem ficar. Logo, os dois se apaixonam. A presença desta última adição à família, no entanto, também serve para perturbar as fachadas e ilusões cuidadosamente construídas a que estas pessoas se agarraram durante décadas.
Tudo desabará, não com um estrondo ou um gemido, mas com uma canção cantada diretamente de seus corações feridos, e O fimOs números musicais de Josh Schmidt, cada um composto por letras escritas por Oppenheimer, tendem ao confessional e ao cacofônico. Principalmente, eles servem à tradição consagrada pelo tempo de expressar aqueles pensamentos, sentimentos e desejos íntimos que não podem ser meramente falados, então devem ser cantados, embora um colega tenha notado sabiamente que deve prestar menos atenção ao que estão cantando, mas sim ao que estão cantando. quando eles escolhem cantar. É uma trilha sonora de compartimentar e abrigar delírios, acontecendo em momentos que são menos aleatórios do que você imagina. Nem todos os cantores são criados iguais aqui, naturalmente, mas está claro que Oppenheimer não escolheu seu conjunto de acordo com as habilidades vocais. Na verdade, embora vários tenham vozes extraordinárias, principalmente Ingram, o filme parece apostar mais na pungência de alguém que tenta ultrapassar seu alcance.
Embora seja ótimo que a Oppenheimer & Co. esteja libertando o musical da tirania do virtuosismo – ninguém está desafiando a gravidade aqui – a noção de que a parábola da verdade e da reconciliação se beneficia mais deste formato específico não é sólida. Sim, ouvir Michael Shannon tagarelar sobre crises existenciais é realmente uma novidade; vê-lo iluminado por trás no topo de um penhasco de gelo enquanto se pergunta se ele deveria acabar com tudo quando sua voz falha é um dos poucos momentos que parecem transcendentes neste experimento. E a reprise de uma balada sobre dias felizes, inicialmente interpretada como uma falsidade apenas para ser remodelada como uma declaração genuína de renascimento, sugere que a inspiração vence momentaneamente a transpiração. Em última análise, O fim é um filme cult que, até que finalmente encontre seu culto, será mais admirado do que amado. Não é a última palavra sobre o apocalipse iminente. Simplesmente tem coragem de sair cantando.
