Os mundos dos Swifties e dos Deadheads podem não parecer ter muito em comum. Pode não haver muitos fãs de música que tenham registrado números iguais de giros em suas playlists do Spotify para “Shakedown Street” e “Cornelia Street”, ou “St. Stephen” e “Hey Stephen”, ou “Althea” e “Dorothea”. No entanto, há motivos para fantasiar que esses dois públicos foram realmente separados no nascimento, mesmo que a idade média dos frequentadores dos shows de Taylor Swift e Grateful Dead não sugerisse automaticamente que esses são fandoms de gêmeos idênticos.
O que eles compartilham é um interesse poderoso e duradouro no poder de ao vivo. E não se trata apenas de assistir a um show. Por mais diferentes que sejam, a Eras Tour de dois anos de Swift e a residência de três meses do Dead & Company no Sphere de Las Vegas se destacam como os dois fenômenos de shows mais fascinantes do momento por razões semelhantes: porque cada show nessas respectivas temporadas é tão marcado como sua própria ocasião individual e única que, para os verdadeiros fãs, o FOMO é literalmente uma coisa noturna. Se você é um verdadeiro crente, mas não pode comparecer a muitos shows de nenhum dos artistas (e quem, a não ser um bebê rico, pode?), você ainda está se conectando obsessivamente para assistir a transmissões ao vivo ou clipes gerados por fãs, ou pelo menos se manter a par das variações nas listas de músicas, talvez até em tempo real. Não é apenas a turnê ou residência que tem status de evento; é a sensação de que cada show é envolvente e ficará na história.
Essas bases de fãs não compartilham muito de uma linguagem comum. Mas seja Deadheads levantando os dedos indicadores em busca de um extra não utilizado, ou Swifties parados do lado de fora de shows em estádios europeus com placas com mensagens suplicantes sobre desespero e carma, um “ingresso milagroso” é um ingresso milagroso.
Eu estive em uma posição possivelmente única para testemunhar ambos os fenômenos, como alguém na fatia de sobreposição do diagrama de Venn entre os dois fandoms. Eu digo “possivelmente” porque talvez haja outra pessoa no mundo que tenha assistido à Eras Tour sete vezes e à residência Dead & Company quatro vezes, embora eu duvide um pouco. Em ambos os casos, posso ficar com os fãs e dizer que gostaria de ter visto ainda mais. Há uma grandiosidade na produção superdimensionada de Swift e nos visuais massivos do Sphere que você pode se acostumar um pouco, após exposição repetida, eu posso atestar. Mas a combinação de espetáculo com a promessa de espontaneidade noturna? Isso é viciante e imbatível.
Ambas essas saídas inovadoras têm seu fim à vista: a residência do Dead & Company termina em Vegas neste fim de semana, e na próxima semana traz as datas finais da parte europeia da Eras Tour, com cinco últimos shows no Estádio de Wembley, antes de Swift encerrar as coisas com um punhado de shows norte-americanos no final do outono. Então parece um bom momento para pensar sobre algumas das razões mais profundas pelas quais esses dois artistas conseguem manter suas comunidades de fãs tão envolvidas no que estão fazendo, show por show.
Conversei com o empresário do Dead & Company, Bernie Cahill, recentemente sobre o que a turnê de Swift e a residência “Dead Forever” têm em comum. “Acho que a sobreposição está no songbook, e com essas duas comunidades que realmente se conectam à música, às letras e à narrativa”, disse ele. “E quando essa é sua base, você tem a oportunidade de criar uma comunidade real. Ela tem um corpo de trabalho enorme e impecável, então há muito para se conectar e ressoar com seus fãs, e ela continua escrevendo músicas brilhantes. E Robert Hunter, Jerry Garcia, Bob Weir, os membros do Dead, eles escreveram o que muitos chamam de Great American Songbook. E acho que essa é sempre a melhor base para a comunidade e para uma longa carreira na música.”
Essa ideia, sobre a devoção dos fãs a essas apresentações ao vivo fascinantes sendo baseadas na base de grandes músicas, é sem dúvida verdadeira. O que eles também têm em comum é o fascínio gerado pela forma como as peças desse catálogo são selecionadas e montadas para apresentações ao vivo, especialmente se houver surpresas sendo reveladas todas as noites.
Há um contraste irônico a ser traçado, com certeza, entre as diferenças quantitativas entre a imprevisibilidade de um show de Swift e o quanto de um Dead & Company é uma surpresa. Com “Dead Forever”, embora muito do conteúdo do vídeo se repita, a quantidade de sobreposição musical de uma noite para a outra é literalmente 0%. O grupo (que inclui os membros originais do Grateful Dead Bob Weir e Mickey Hart, bem como John Mayer) tem feito três shows por fim de semana nos quais, se você tiver ingressos consecutivos, tem a garantia de ouvir um conjunto de músicas completamente diferente. Enquanto isso, com a Eras Tour, a quantidade de sobreposição noturna está no extremo oposto das coisas, pairando em torno de 95%. E é uma redundância séria, se você quiser chamá-la assim: quase todo o padrão de palco de Swift será uma paráfrase dos mesmos tropos noturnos; cada passo de dança ou desfile será pré-coreografado ao extremo; não só isso, mas quase cada expressão facial, e praticamente cada olhar de soslaio, é algo que foi concebido e ensaiado há um ano e meio ou mais. A banda está tocando muito ao vivo, ao contrário das insinuações possivelmente ciumentas de Dave Grohl (posso atestar isso, depois de ficar a metros de distância dos músicos de apoio no chão em alguns shows europeus), mas não é como se eles fossem desonestos e jogassem acordes de jazz em “Style”.
Mas para Swift, que diferença esses 5% fazem — ou seja, os dois números por noite em que ela sai completamente do roteiro para o segmento acústico de “músicas secretas”. É pela revelação do que essas duas apresentações vão se tornar que os fãs vivem, tanto quanto os Deadheads vivem pelo lançamento gradual do setlist completo. Há muito tempo é um sinal da genialidade de Swift que ela incorpore algum segmento imprevisível em seus shows em arenas e estádios; em uma turnê, foi uma participação especial noturna de uma estrela convidada associada à cidade em questão. Desde então, ela decidiu que não há nenhuma cena de convidado como a aparição aleatória de uma de suas próprias faixas profundas. Em 2023, a jogada era que ela faria duas músicas surpresa sem assistência por noite, uma no piano e uma na guitarra, mas para 2024, ela decidiu que até isso estava ficando velho. Então, na Ásia, Down Under e Europa, ela tem feito mashups de seu próprio material, garantindo que os fãs fiquem tão intrigados e extasiados quanto estavam há um ano.
A melhor parte sobre esses medleys é que Swift não os apresenta, pelo menos na medida em que ela os prefacia com alguma explicação sobre o que as duas músicas que ela está misturando têm em comum para ela. Isso deixa uma aura de mistério, às vezes — uma adição essencial a um show que agrada ao público e que, de outra forma, não é configurado para deixar muitas perguntas pairando no ar. Às vezes, a mistura não requer muito pensamento para ser descoberta: se “I Hate It Here” leva a “The Lakes”, não é difícil descobrir que ambas as composições compartilham um tema semelhante, o desejo de escapar. Mas em algumas noites, as músicas do mashup são tão diferentes que convidam a muita especulação sobre o que as conecta na cabeça de Swift.
Uma das noites em que peguei Swift em Dublin no final de junho, ela combinou “Sweet Nothing”, uma balada transparentemente romântica que faz jus ao seu título otimista, com “Hoax”, uma de suas músicas mais sombrias, mais taciturnas e francamente mais misteriosas. O que essas duas músicas totalmente díspares poderiam ter em comum? Desenvolvi uma teoria. “Sweet Nothing” era uma inevitabilidade, provavelmente, para um show na Irlanda, com sua referência localizada a “um seixo que pegamos em julho passado / Bem no fundo do seu bolso / Nós quase esquecemos disso / Às vezes ele sente falta de Wicklow?” Mas essa música parece ser sobre seu relacionamento com Joe Alwyn (que na verdade a coescreveu). Se ela se sentiu obrigada a tocar uma música com temática irlandesa na Irlanda, talvez ela não quisesse simplesmente deixar por isso mesmo, sem reconhecer — para seus fãs, ou para ela mesma — que o relacionamento “doce” se transformou em outra coisa… algo que pareceu para ela… uma farsa.
Estou lendo muito sobre a escolha de Swift de uma justaposição de músicas, aí? Talvez sim, talvez não. Talvez ela tenha apenas colocado seu catálogo em um randomizador e “Sweet Nothing” e “Hoax” foram as duas músicas que saíram naquela noite. Mas algo que muitas performances excelentes têm em comum é que, mesmo quando estamos sobrecarregados por valores de produção e puro entretenimento, elas também nos deixam imaginando, pelo menos no fundo de nossas mentes, qual foi o processo de pensamento do artista, particularmente quando se trata de escolhas que estão obviamente sendo feitas para um show individual. Assim como eu me perguntei por que Swift mistura as músicas que ela faz, eu posso me perguntar como ou por que Dead & Company fazem suas escolhas de setlist. Na sexta-feira à noite em Vegas, eu vi o quão linda foi a transição para a banda ir do interlúdio psicodélico “Drums”/”Space” para um trecho instrumental de “In My Life” dos Beatles, então um cover completo de “Dear Prudence”. Eles estavam pensando em como Prudence precisava ser trazida de sua espacialidade de volta à terra? Provavelmente foi mais intuitivo do que isso. Mas é apenas parte da emoção de um show ao vivo quando as inesperadas transições de músicas parecem um destino.
Claro, a maior parte do apelo da Eras Tour e de “Dead Forever” é o quanto ambos expandem os limites dos valores de produção. Ninguém que compareça ao show de qualquer um dos artistas vai esquecer o que a produtora Silent House fez com a encenação de Swift, ou o que Treatment fez ao criar os visuais para a tela envolvente da Sphere para Dead & Company. Andaimes gigantes de escritório, bicicletas de neon e outros cenários e adereços em seu show… esqueletos dançantes gigantes e campos estelares no deles… essas são imagens que durarão para os devotos por toda a vida.
Mas para outros artistas que buscam o que tirar desses shows inovadores, sem os meios para conceber efeitos gigantescos ou contratar as melhores empresas de produção do ramo… ainda há algo para tirar. São os corações pulsantes e as mentes pensantes no centro desses shows, por meio de artistas que estão determinados a não ligar para eles, mas a fazer com que cada show pareça imperdível, mesmo que assistir a todos seja impossível. Isso é uma fome que os artistas podem duplicar — ou fazer o máximo para tentar — até mesmo em uma escala de clube.
